Пятница, 29.03.2024, 03:14

Приветствую Вас Гость | RSS
МИРОВАЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА 19 ВЕКА
ГлавнаяРегистрацияВход
Меню сайта

Форма входа

Категории раздела

Статистика
Total users:

Главная » Статьи » Мои статьи

музыка России на рубеже веков (обзор)

МУЗЫКА РОССИИ КОНЦА XIX - НАЧАЛА XX ВЕКА

На рубеже XIX-XX столетий завершился длительный и сложный процесс освоения русскими музыкантами традиций, стилей и жанров европейской культуры. К концу XIX в. Петербургская и Московская консерватории стали солидными учебными заведениями. Из их стен вышли все выдающиеся композиторы той эпохи и немало прекрасных исполнителей. Сложились школы инструменталистов, певцов и танцовщиков. Русское оперное и балетное искусство покорило европейскую публику. В развитии музыкального театра важную роль сыграли Императорский Мариинскии театр в Петербурге и Московская частная русская опера, созданная российским промышленником и меценатом Саввой Ивановичем Мамонтовым (1841 - 1918). В русской музыке рубежа веков переплелись черты позднего романтизма и импрессионизма. Велико было влияние литературно художественных направлений, и прежде всего символизма. Однако крупные мастера вырабатывали собственные стили. Их творчество трудно отнести к какому либо определённому течению, и это - доказательство зрелости русской музыкальной культуры.

АНАТОЛИЙ КОНСТАНТИНОВИЧ ЛЯДОВ (1855-1914)

В историю отечественной музыкальной культуры Анатолий Константинович Лядов вошёл как дирижёр, педагог, музыкальный критик и композитор. В его творчестве соединились черты разных художественных направлений рубежа XIX-XX вв. (позднего романтизма, импрессионизма) и русского фольклора. Родился А. К. Лядов в Петербурге в семье музыканта (его отец был дирижёром Мариинского театра). В 1878 г. он окончил Петербургскую консерваторию по классу композиции у Н. А. Римского Корсакова. В студенческие годы Лядов находился под большим влиянием композиторов "Могучей кучки". А. К. Лядов преподавал в Придворной певческой капелле и Петербургской консерватории композицию и теоретические дисциплины (в 1886 г. получил звание профессора). В разное время у него учились Н. Я. Мясковский, С. С. Прокофьев и другие известные композиторы. Наиболее интересные ранние произведения написаны для фортепиано. Сюита "Бирюльки" (1876 г.) окрашена русским национальным колоритом - здесь и мотивы, напоминающие мелодичные народные песни, и особая гармония. В пьесе "Простарину" (1889 г.) слышатся отголоски старинных былин. Из программных сочинений этого периода выделяется "Баркарола" (1898 г.) и небольшой вальс с характерным названием "Музыкальная табакерка", который тонко передаёт механическое звучание этой незамысловатой игрушки. В симфонических миниатюрах "Баба яга" (1904 г.), "Волшебное озеро", "Кикимора" (обе 1909 г.) автор мастерски воссоздаёт мир сказки - то мрачно зловещий, то волшебно таинственный. В симфоническом цикле "Восемь русских народных песен" (1906 г.) использованы подлинные народные мелодии. Вокальные жанры представлены в творчестве Лядова прежде всего хорами, романсами, а также циклом "Детские песни" для голоса с фортепиано (1887- 1890 гг.) на народные слова. Композитору принадлежит более двухсот обработок русских народных песен, собранных в этнографических экспедициях Русского географического общества.

АЛЕКСАНДР КОНСТАНТИНОВИЧ ГЛАЗУНОВ (1865-1936)

Композитор, дирижёр, музыкальный критик и общественный деятель Александр Константинович Глазунов продолжил традиции композиторов "Могучей кучки" и П. И. Чайковского. В обширном творческом наследии Глазунова значительное место занимают симфонические жанры и балетная музыка. А. К. Глазунов родился в Петербурге в семье книгоиздателей. Начальное музыкальное образование он получил дома под руководством частного педагога. Встреча с М. А. Балакиревым оказалась решающей в творческой судьбе музыканта. Балакирев порекомендовал его Н. А. Римскому Корсакову, и тот стал наставником Глазунова по теоретическим дисциплинам и композиции. За полтора года частных уроков начинающий музыкант освоил программу консерваторского курса и к шестнадцати годам овладел всеми приёмами композиции. Уже первая симфония имела шумный успех в Петербурге, и молодым композитором заинтересовались как его старшие коллеги, так и музыкальные издатели. В конце 80х гг. началась дирижёрская деятельность Глазунова. К этому времени были написаны симфоническая поэма "Стенька Разин" (1885 г.), вторая и третья симфонии, а также другие произведения. На 90е гг. приходится расцвет творчества композитора. В это время он создал пять симфоний, балеты "Раймонда" (1897 г.), "Барышня слу жанка" и "Времена года" (оба 1900 г.), симфоническую сюиту "Из средних веков" (1902 г.), скрипичный концерт (1904г.). В 1899 г. Глазунов стал профессором Петербургской консерватории, а в 1905 г. был избран ректором. Активная педагогическая деятельность оставляла мало времени для творчества. В последующие годы композитор создал два фортепианных концерта, начал Девятую симфонию (осталась незавершённой), обращался к инструментальным жанрам. После 1928 г. он жил за границей, где написал последние произведения. Глазунов совместно с Римским Корсаковым завершил незаконченные сочинения А. П. Бородина, в том числе оперу "Князь Игорь". Композитор оставил обширное литературное на следие - переписку, заметки, критические статьи.

СЕРГЕЙ ВАСИЛЬЕВИЧ РАХМАНИНОВ  (1873-1943)

В творчестве Сергея Васильевича Рахманинова - композитора и пианиста-виртуоза - гармонично соединились традиции русского и европейского искусства. Для большинства музыкантов и слушателей сочинения Рахманинова - художественный символ России. На творческий почерк композитора серьёзное влияние оказал фольклор (что типично для многих мастеров) и особенно русское средневековое духовное музицирование, в частности знаменное пение. В то же время музыка Рахманинова - важная часть позднего романтизма Европы. После 1917 г. Рахманинов был вынужден жить за границей - в Швейцарии и США. Его композиторская и особенно исполнительская деятельность стали явлением, без которого невозможно представить себе культурную жизнь Запада 20 -40х гг. Рахманинов получил музыкальное образование в Петербургской (с 1882 г.), а затем в Московской консерватории (1885 - 1893 гг.). В Москве по классу композиции он занимался у С. И. Танеева - глубокого знатока европейской музыки, а по классу фортепиано - у Александра Ильича Зилоти (1863-1945), ученика Ференца Листа. Наследие Рахманинова включает в себя оперы и симфонии, камерно вокальную и хоровую духовную музыку, но больше всего композитор писал для фортепиано. Рахманинова можно назвать преемником Ференца Листа. Он, как и Лист, тяготел к мощной, монументальной виртуозности, стремился уподобить фортепиано по богатству красок симфоническому оркестру. Много внимания Рахманинов уделял транскрипции - обработке чужого произведения. Немало общего у русского композитора с другим выдающимся пианистом - Фридериком Шопеном. Обо их мастеров сближает трепетное отношение к национальным традициям. Россия для Рахманинова, как и Польша для Шопена, - идеальный романтический образ, воспоминания о котором и питают душу, и причиняют боль. Творчество Рахманинова можно считать завершением традиций европейской романтической фортепианной музыки. Среди фортепианных произведений особенно выделяются два цикла прелюдий (1903, 1910 гг.) и два цикла под названием "Этюдыкартины" (1911, 1917 гг.). В пьесах лирического склада, входящих в циклы, поражает прежде всего красота мелодии - мягкой и нежной, сложной по рисунку, но при этом понятной слушателю. Эмоциональной силой и виртуозным блеском отличаются быстрые, драматичные по характеру пьесы, в которых Рахманинов использует все возможности инструмента. Эти циклы не считаются программными, но в них чувствуется стремление композитора показать живописно выразительный и конкретный образ (не случайно автор назвал свои произведения "картинами"). Нередко таким образом является колокольный звон. Звон колоколов - центральная звуковая идея фортепианных концертов Рахманинова, и прежде всего самого популярного - Второго (1901 г.). С поразительной точностью и простотой этот образ воссоздаётся в аккордовом вступлении к первой части, представляющем собой сольную партию фортепиано. Праздничные перезвоны рисует музыка финала. Основные темы концерта передают разнообразные на строения - от строгой сосредоточенности (главная партия первой части) до мягкой просветлённости (вторая часть). В концертах проблему соотношения солирующего инструмента и оркестра композитор решает по новому. При всей сложности и вы разительности партия фортепиано нередко воспринимается как оркестровое сопровождение, а инструменты оркестра солируют. В строгом смысле понятия "соло" и "аккомпанемент" исчезают - возникает единая звуковая ткань. Среди крупных произведений Рахманинова для фортепиано с оркестром особое место занимает Рапсодия на тему Паганини (1934 г.), которую исполнители называют "Пятым концертом" за масштабность и глубину содержания. В основе виртуозной пьесы лежат две темы: тема двадцать четвёртого каприса Паганини и средневековое одноголосное песнопение "День гнева", входящее в состав реквиема и повествующее о дне Страшного суда. К XX в. обе темы приобрели в европейской музыке значение символов. Двадцать четвёртый каприс Паганини (к нему обращались многие композиторы XIX столетия) воспринимается как образ творчества, романтического вдохновения. Что же касается темы "Дня гнева", то обычно её понимают как размышление о смерти. Однако в произведении Рахманинова, развиваясь параллельно теме каприса, а нередко и переплетаясь с ней, она говорит не столько о смерти, сколько о вечности и бессмертии, путь к которому лежит через творческое озарение. Важное место в творчестве композитора занимает вокальная музыка. Уже в дипломной работе - одно актной опере "Алеко" (1893 г.; по поэме А. С. Пушкина "Цыганы") чувствуется мастерство, умение писать для голоса. Любимым вокальным жанром Рахманинова стал романс (всего их написано около восьми десяти). Образы и музыкальные краски этих сочинений заставляют вспомнить традиции русского символизма - не случайно Рахманинов часто обращался к произведениям поэтасимволиста Константина Дмитриевича Бальмонта. Значительная часть романсов создана на стихи, содержащие пейзажные зарисовки. Вокальная партия основана, как правило, на мелодии - сложной по рисунку, но в то же время отличающейся отточенной, ясной формой. Партия фортепиано - тончайшая звукопись, которая требует от исполнителя виртуозной игры. Мастер вокальной миниатюры, Рахманинов свободно владел и крупными формами. Ему принадлежат две кантаты - "Весна" (1902 г.) на стихи Николая Алексеевича Некрасова и "Колокола" (1913 г.) на стихи американского писателя Эдгара По (перевод К. Д. Бальмонта). Большую роль композитор сыграл в развитии русской духовной музыки. Он создал два монументальных произведения - Литургию Иоанна Златоуста и Всенощное бдение (оба 1915 г.). В основу сочинений положены знаменные распевы. Творчество Рахманинова соединяет разные эпохи и культуры. Русским музыкантам оно позволяет по чувствовать свою глубокую связь с европейскими традициями, а для музыкантов Запада Рахманинов открывает Россию - показывает её подлинные духовные богатства.

НИКОЛАЙ КАРЛОВИЧ МЕТНЕР (1880-1951)

В творчестве Николая Карловича Метнера - композитора и пианиста органично соединились традиции классицизма и романтизма. Он окончил Московскую консерваторию (1900 г.) по классам форте пиано и теории музыки и с 1904 г. гастролировал по России и за рубежом с сольными программами и в качестве аккомпаниатора. В 1909-1910 и 1915-1921 гг. Метнер был профессором Московской консерватории; с 1921 г. жил за границей, где также много выступал. Основа творчества Метнера - вокальные и фортепианные миниатюры. Композитор создал жанр сказки в фортепианной музыке. В своих сочинениях он обращался к миру природы и фантастики ("Сказка о птицах", "Сказка эльфов"), либо их героями становились люди ("Шарманшик", "Нищий" и др.). В творческом наследии Метнера много романсов. Самые известные - "Цветок засохший" на стихи А. С. Пушкина и "Бессонница" на стихи Фёдора Ивановича Тютчева.

АЛЕКСАНДР НИКОЛАЕВИЧ СКРЯБИН (1872-1915)

Музыка Скрябина связана с поздним романтизмом, оказавшим значительное влияние на композиторов XX в. Скрябина можно сравнить с его австрийским современником Густавом Малером. Как и Малер, он стремился сложные философские идеи заключить в систему образов символов. От европейских романтиков русский композитор унаследовал веру в то, что жизнь человечества возможно изменить средствами искусства, и, воплощая эту веру в творчестве, создавал монументальные, порой утопичные проекты. Скрябин замечательно владел и мастерством написания миниатюры - он доказал, что масштабность содержания произведения не зависит от его размера и формы. Александр Николаевич Скрябин родился в Москве. Его отец был дипломатом, а мать - пианисткой. Будущий музыкант обучался в Московском кадетском корпусе (1882-1889 гг.) и одновременно брал уроки игры на фортепиано. В 1892 г. он окончил Московскую консерваторию. В 90х гг. Скрябин помимо сочинения музыки много концертировал как пианиствиртуоз; в 1898-1903 гг. был профессором Московской консерватории по классу фортепиано. В 1900х гг. композитор подолгу жил за рубежом (в Европе, гастролировал в США). Творческое наследие Скрябина представлено фортепианной и симфонической музыкой. Произведения для фортепиано он писал всю жизнь, и его композиторский почерк с течением времени менялся. В ранний период заметно влияние фортепианного стиля Шопена, которое проявляется как в выборе жанров (мазурки, прелюдии, этюды), так и в характере звучания инструмента. Скрябин той поры тяготел к изысканности, филигранной технике. В 1900х гг. основными жанрами фортепианной музыки композитора стали соната и поэма. Из десяти сонат (1892-1913 гг.) только первые четыре отвечают традиционным представлениям о жанре - это многочастные сочинения. Остальные шесть (начиная с 1907 г.) - произведения одночастные, в них нет указаний на тональность. Композитор стремился передать в музыке душевный порыв, томление, восторг. Порой состояние души, выраженное в звуках, столь неоднозначно, что его трудно описать. Подобные ощущения сменяют друг друга быстро и внезапно, и эпизоды, построенные на нежном, "прозрачном" звучании, как правило, резко обрываются мощными аккордами и пронзительно острыми гармониями. Скрябин - автор девятнадцати фортепианных поэм. Это очень короткие сочинения (обычно имеют название). Краткость порой просто поразительна (например, "Поэма томления" звучит всего сорок семь секунд), однако они производят впечатление крупных произведений. Состояния озарения, мощного душевного движения или, напротив, покоя переданы точно и конкретно, а звучание фортепиано по богатству тембров не уступает симфоническому оркестру. Название произведений - "поэмы>> - сближает их с литературой символизма. Поэтов символистов интересовали прежде всего тонкие движения души, о которых рассказать обстоятельно нельзя - можно лишь намекнуть. В области симфонической музыки Скрябин также обращался в основном к жанру поэмы. Первая -"Поэма экстаза" (1907 г.) представляет собой большое одночастное произведение в сонатной форме. Однако от традиционных сочинений такого рода оно отличается обилием тем, каждая из которых передаёт конкретное состояние человека и имеет название ("тема томления", "тема воли", "тема мечты" и т. п.). Композитор создал стихотворную программу, но не стал публиковать её в партитуре, не желая "давить" на восприятие слушателя. Замысел поэмы, впрочем, ясен и без слов: это произведение о том, как душа человека проходит путь от неясных предчувствий и мечтаний к высшей духовной радости, обретая огромную энергию и силу. Важным символом стал для автора образ античного мифологического героя Прометея, принёсшего людям с Олимпа (жилища богов) огонь. В представлении Скрябина огонь Прометея - явление не столько физического, сколько духовного порядка: речь идёт о "Божественном огне творчества", который, загораясь в душе художника, делает его подобным Творцу. В творческом наследии композитора симфоническая поэма "Прометей" (подзаголовок - "Поэма огня", 1910 г.) - одно из самых смелых произведений. Оно написано для очень большого состава оркестра, фортепиано и хора. Виртуозную арию солирующего инструмента и партию хора автор рассматривал как оркестровые голоса (не случайно хор поёт без слов). В исполнении поэмы должен был участвовать необычный инструмент - "световая клавиатура", существовавшая в момент создания сочинения только в воображении автора. Скрябин обладал уникальной способностью -так называемым цветовым слухом (когда каждая тональность связана в сознании с определённым цветом) и хотел создать не только звуковой, но и зрительный образ духовного огня, преображающего человека. Композитор предполагал, что если каждую клавишу соединить с источником света, то по ходу произведения в зал можно будет посылать разноцветные лучи. В обеих поэмах Скрябин выступает как блестящий знаток оркестра. Для каждой из своих идей он на ходит присущий только ей тембр. Так, состояние покоя, размышления передаётся через звучание струнных (среди которых нередко выделяется солирующая скрипка), а волевые, энергичные темы поручаются, как правило, трубам. Много нового есть и в гармоническом языке поэм. Музыка "Прометея" построена на неизвестном прежде сочетании из шести звуков, получившем позже название "прометеевский аккорд". Проходя через всё произведение, он объединяет в целое большое число тем и придаёт им своеобразное звучание. По замыслу композитора, мону ментальные симфонические по эмы - это только вступление к грандиозному действу под назва нием "Мистерия", которое соединит музыку, слово, танец и все виды пластических искусств. Предполага лось, что исполнять "Мистерию" бу дут все люди Земли в течение семи дней, после чего, как считал автор, человечество вступит в новую эру существования. Этот замысел Скря бин обдумывал абсолютно серьёзно и в последние годы жизни работал над прелюдией к "Мистерии", кото рую назвал "Предварительное дейст вие". Композитор успел написать к нему поэтический текст и не сколько музыкальных фрагментов. В идее "Мистерии" можно увидеть и огромную самонадеянность, и на ивность, и в то же время романтиче скую надежду на единение людей в поисках красоты - надежду, в своё время приведшую Шумана к идее "Давидова братства", а Бетховена - к созданию Девятой симфонии. Что же касается планов создания "цвето вой партитуры" или соединения различных искусств в одном дейст ве, то они заинтересовали компози торов XX в., и эксперименты Скря бина были продолжены, но уже на новом техническом уровне.

Категория: Мои статьи | Добавил: artigiana (13.05.2011)
Просмотров: 6959 | Комментарии: 2 | Рейтинг: 3.5/17
Всего комментариев: 0
Имя *:
Email *:
Код *:
Поиск

поиск в вики

карта катаклизмов


Copyright MyCorp © 2024